Maria João Pires (Lisbona, 23
luglio 1944) è una pianista portoghese. La sua
carriera inizia prestissimo: a cinque anni tiene il primo recital e a
sette anni esegue pubblicamente i Concerti per
pianoforte di Mozart a Porto, sotto la direzione
di Ino Savini. Negli anni seguenti studia pianoforte
e composizione musicale al Conservatorio di Lisbona e
alla Musikakademie di Monaco di Baviera. Nel 1970
raggiunge la fama internazionale vincendo il Concorso del
bicentenario beethoveniano a Bruxelles. Da allora si esibisce
come solista e assieme alle maggiori orchestre del mondo. È
la fondatrice del Belgais Centre for Study of the Arts, una
struttura pensata per offrire ai giovani artisti la possibilità di
sviluppare il proprio talento. Al Festival di Salisburgo nel
1984 esegue il Concerto per pianoforte e orchestra n. 14 di Mozart,
nel 1995 il Concerto per pianoforte e orchestra n. 23 diretta
da Frans Brüggen e nel 2011 il Concerto per
pianoforte e orchestra n. 27 diretta da Kent Nagano. Ha preso parte al film La
lettera interpretando sé stessa. Nel 2006 si è trasferita
a Salvador in Brasile, dove conserva la sua casa, pur
trascorrendo la maggior parte del tempo in Svizzera, dove ha figli e
nipoti, ai quali vuole essere vicina. Il repertorio
di Maria João Pires è molto vasto e include le opere dei principali
compositori classici e romantici. Tra le registrazioni
notevoli ricordiamo l'integrale delle Sonate per pianoforte
di Mozart, degli Improvvisi di Schubert e
dei Notturni di Chopin. Secondo Bryce Morrison
della Gramophone, quest'ultima registrazione è in assoluto la
migliore versione disponibile: «Sento di poter affermare senza
esitazioni che Maria João Pires - artista del tutto aliena da ogni
forma di narcisismo - è uno dei maggiori maestri dei nostri tempi».
Ivo Pogorelić (Belgrado, 20 ottobre 1958) è
un pianista croato. È noto per il suo stile di esecuzione
eccentrico, che gli ha fatto ottenere un nutrito seguito di
ammiratori, ma anche aspre critiche da parte di esperti di musica.
Ivo Pogorelić è nato nel 1958 a Belgrado, all'epoca capitale
della Jugoslavia, da padre di etnìa croata e
madre serba, Iniziati
gli studi di pianoforte a sette anni, fu invitato dodicenne
a Mosca per proseguire gli studi presso la Scuola Centrale
di Musica con Evgenij Timakin; in seguito si diplomò
al conservatorio di Mosca e, nel 1976, divenne allievo
della concertista Aliza Kezeradze, che a sua volta era cresciuta
alla scuola di Aleksandr Ziloti; Kezeradze, di oltre
vent'anni più anziana di Pogorelić, lo sposò nel 1980 quando
questi aveva 21 anni; il matrimonio durò fino alla morte di lei
avvenuta nel 1996.
Pogorelić vinse il Premio Casagrande a Terni nel 1978 e il
Concorso internazionale di Musica a Montréal nel 1980, ma
fu un riconoscimento negato a sancirne la celebrità: al concorso
internazionale per pianoforte intitolato a Fryderyk
Chopin tenutosi a Varsavia del 1980 fu eliminato al
terzo turno, cosa che indusse una delle giurate, la pianista
argentina Martha Argerich, a lasciare la giuria per
protesta. Pogorelić
debuttò a New York al Carnegie Hall nel 1981 e
a Londra nello stesso anno. Da allora, ha suonato in molti
recital in tutto il mondo, come solista e insieme alle orchestre più
famose, tra le quali la Boston Symphony Orchestra, la London
Symphony Orchestra, la Chicago Symphony Orchestra, la Wiener
Philharmoniker, la Berliner Philharmoniker, l'Orchestra di
Parigi e molte altre. Pogorelić iniziò ad incidere per
la Deutsche Grammophon e nel 1982 è diventato
uno degli artisti esclusivi dell'etichetta. Sue sono oltre quindici
registrazioni di opere di Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Liszt, Mozart, Mussorgsky, Prokofiev, Ravel, Scarlatti, Scriabin e Čaikovskij. Nel 1986 Pogorelić ha
istituito una fondazione per favorire la carriera dei giovani artisti
provenienti dalla sua patria. Dal 1989, il Festival Ivo
Pogorelić a Bad Wörishofen dà l'opportunità a giovani
artisti di suonare insieme ad artisti di fama. Nel dicembre 1993,
Pogorelić fondò il Concorso Internazionale per pianoforte solista
in collaborazione con la Ambassador Foundation in Pasadena
(California). Nel 1994 aiutò a fornire
supporto medico per la gente di Sarajevo organizzando dei
concerti di beneficenza. In seguito ha contribuito a ricostruire la
città, aiutando la Croce Rossa e la lotta contro le
malattie quali il cancro e la sclerosi multipla.
Nel 1988 è stato nominato "Ambasciatore"
dall'UNESCO. Dopo la morte della moglie, non ha
inciso fino al 2019 e ha diradato le sue esecuzioni in pubblico fino
al 2017. Nel 2010 Ivo Pogorelich ha tenuto 73 concerti in varie parti
del mondo, tra cui Tokyo con la Philadelphia Orchestra diretta da
Charles Dutoit, Vienna, con i Wiener Symphoniker diretti da Fabio
Luisi, un tour europeo con la Philharmonia Orchestra diretta da Tugan
Sokhiev, segnando così un pieno ritorno alla attività
concertistica.
Nel 1980, Pogorelich è stato eliminato al terzo round del
X Concorso pianistico internazionale Fryderyk Chopin a Varsavia,
causando opinioni controverse da parte dei giudici. Uno dei
giurati, Martha Argerich, lo ha proclamato un "genio"
e si è dimesso dalla giuria per protesta. Altri due giurati hanno
affermato che era "impensabile che un artista del genere non
arrivasse in finale". Tuttavia, altri giudici hanno espresso la
loro disapprovazione per le eccentricità di Pogorelić. Eugene
List gli ha dato un punteggio molto basso, spiegando: "Non
rispetta la musica. Usa gli estremi fino al punto di distorsione. E
recita troppo". Louis Kentner si è licenziato dopo
che tutti i suoi studenti erano stati eliminati dal concorso nella
prima fase, affermando che "se persone come Pogorelić
arrivano alla seconda fase, non posso partecipare ai lavori della
giuria. Abbiamo criteri estetici diversi". Tuttavia, la
pubblicità dello scandalo ha aiutato Pogorelić a iniziare la sua
carriera.
Le esibizioni di Pogorelić sono state spesso controverse. Le sue
interpretazioni sono state ben accolte dal pubblico dei concerti ma
non sempre dalla critica. Il pianista classico inglese Peter
Donohoe ha notato una serie di "attacchi umilianti" da
parte della critica durante tutta la carriera di Pogorelić, pur
credendo che la sua celebrità fosse dovuta a "camion
pubblicitari in stile pop basati sulle sue eccentricità"
piuttosto che al suo talento. La sua prima registrazione della
Sesta Sonata di Prokofiev ha ricevuto riconoscimenti,
incluso un Rosette Award nella Penguin Guide to Classical Recordings.
Tuttavia, il critico del New York Times Harold C.
Schonberg ha criticato Pogorelić per i suoi tempi insolitamente
lenti nell'op. 111 della Sonata di Beethoven, e disse che
Pogorelić "sembra che cerchi disperatamente di essere il Glenn
Gould del pianismo romantico (con alcune delle eccentricità di
Gould ma nessuna del suo particolare tipo di genio)." Vent'anni
dopo, un altro critico del New York Times, Anthony Tommasini, torna a
recitare lo stesso pezzo, scrivendo: “Ecco un talento immenso che
si è tragicamente smarrito.
Nel 2015, dopo una lunga assenza dalla scena concertistica
britannica, il recital di Pogorelić alla Royal Festival Hall è
stato ampiamente criticato dalla critica. Scrivendo
per The Guardian, Andrew Clements ha fortemente denigrato la sua
performance, in cui "la brillantezza tecnica è apparentemente
scomparsa, lasciandosi dietro solo la grossolanità", e ha
criticato il suo modo di suonare il pianoforte definendolo "così
brutalmente rumoroso e grezzo che [...] il Steinway soffriva in modo
udibile per il suo assalto."
Konstantin Yakovlevich Lifschitz (nato il 10 dicembre 1976 a Kharkov) è un pianista russo di origine ebraica. All'età di cinque anni Lifschitz iniziò gli studi alla Scuola di Musica Specializzata Gnessin di Mosca. Tatiana Zelikman è stata la sua insegnante più importante. All'età di 13 anni tenne il suo primo recital alla Casa dei Sindacati (Mosca) che fu accolto con entusiasmo. All'esame finale (1994) ha suonato le Variazioni Goldberg , Gaspard de la nuit e opere di Alexander Nikolayevich Scriabin . I suoi altri insegnanti furono Teodor Gutman , Vladimir Tropp , Karl Ulrich Schnabel , Fou Ts'ong , Alfred Brendel , Leon Fleischer , Rosalyn Tureck , Hamish Milne e Charles Rosen . Lifschitz non ha partecipato ad alcun concorso pianistico. Dopo la Perestrojka iniziò a tenere concerti nelle principali città europee. Tra le orchestre con cui ha suonato ci sono I Solisti Veneti , MDR Leipzig Radio Symphony Orchestra , Academy of St Martin in the Fields , Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz , Konzerthausorchester Berlin , Mozarteum Orchestra Salisburgo , Minnesota Orchestra , Bern Symphony Orchestra , London Symphony Orchestra , Chicago Symphony Orchestra , Filarmonica di New York , Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo . I direttori erano Andrey Boreyko , Bernard Haitink , Eliahu Inbal , Marek Janowski , Michail Jurowski , Eri Klas , Fabio Luisi , Neville Marriner , Claudio Scimone , Yuri Temirkanov , Dietrich Fischer-Dieskau , Mstislav Rostropovich . Konstantin Lifschitz tiene masterclass in tutto il mondo. Dal 2008 ha una classe propria presso l' Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna . In Svizzera è diventato cittadino svizzero. Vive vicino a Lucerna . Suona o ha eseguito musica da camera con quartetti d'archi e solisti come Gidon Kremer , Dmitry Sitkovetsky , Patricia Kopatchinskaja , Leila Josefowicz , Mischa Maisky , Lynn Harrell , Carolin Widmann , Bella Davidovich , Valery Afanassiev , Natalia Gutman , Jörg Widmann , Sol Gabetta , Alexei Volodin , Daishin Kashimoto , Maxim Vengerov , Mstislav Rostropovich (morto nel 2007) e Eugene Ugorski (nato nel 1989).
Otmaro
Ruiz (nato il 27 giugno 1964 a Caracas , Venezuela) è
un pianista, tastierista, compositore, arrangiatore ed educatore
venezuelano. Figlio di Óscar Ruiz Beluche e Omaira Prado Hurtado,
entrambi medici. Ha una sorella di nome Orlena, anche lei musicista
(violino, pianoforte) ed educatrice. Ruiz ha iniziato i suoi studi
musicali formali all'età di otto anni su pianoforte, chitarra
classica, armonia, storia ed estetica. I suoi studi musicali formali
si sono svolti presso la Scuola di Musica Juan Manuel Olivares di
Caracas. Nel frattempo si dedica anche ad altre attività artistiche,
come il disegno e la recitazione. Allo stesso tempo, studiò organo e
intraprese la carriera scientifica come biologo presso
l' Università Simón Bolívar , ma continuò a suonare le
tastiere in parallelo, ottenendo il suo primo lavoro professionale in
un gruppo pop nel 1980. Deciso di concentrarsi interamente
sulla musica, Ruiz abbandonò la scuola nel 1983 mentre suonava nel
suo nativo Venezuela, dove fece tournée e registrò con musicisti
locali e in visita, e divenne anche un impegnato musicista di
studio come compositore e arrangiatore di jingle . Nel 1989
Ruiz si trasferì a Los Angeles , California, dove completò
la sua formazione accademica alla CalArts , ottenendo un
master in performance jazz nel 1993. Nel frattempo, suonò anche con
il percussionista Alex Acuña , apparendo in due album
all'inizio degli anni '90 e successivamente con Arturo Sandoval , a cui seguì un tour mondiale
con Gino Vannelli nel 1996. Ruiz ha segnato la transizione nel
nuovo millennio esibendosi sia al pianoforte acustico che alle
tastiere elettriche con le icone del rock Jon Anderson e Robbie
Robertson , il Latin Crossings Project, con la leggenda
latina Tito Puente , Steve Winwood e Arturo
Sandoval , Herb Alpert e il gigante della Fusion John
McLaughlin . prendendo parte a registrazioni e numerosi tour
mondiali con la cantante vincitrice di numerosi Grammy Award Dianne
Reeves , Frank Gambale , Alain Caron e Lee
Ritenour . Ruiz ha anche partecipato a un gruppo
jazz internazionale chiamato JB Project, insieme al bassista
americano Brian Bromberg e al batterista giapponese Akira
Jimbo . Questo gruppo ha pubblicato tre album in
studio: Brombo (2003), Brombo II (2004) e Brombo
III (2017). Inoltre, è apparso nei progetti CD di Akira Jimbo
per undici anni consecutivi come membro di un formato Trio/Quartet. Nel 2012, la Cornel School of
Contemporary Music della Shepherd University ha
assegnato a Ruiz un dottorato onorario in Arti musicali. Poi, nel
2016, è stato nominato per il miglior arrangiamento strumentale
e vocale ai 58esimi Grammy Awards annuali per la sua
versione del brano " Girl from Ipanema ", che
faceva parte della sua produzione Catina DeLuna e Lado B Brazil
Project, con Otmaro Ruiz. . Anche questo CD ha ottenuto ottime
recensioni internazionali, tra cui quattro stelle dalla
rivista DownBeat ed è stato incluso nel numero Best of
2016. Inoltre, Ruiz ha condotto workshop e
conferenze in tutto il mondo e ha fatto parte della facoltà
della USC Thornton School of Music per cinque anni. Otmaro
ha anche lavorato come membro della Cornell School of Contemporary
Music con sede presso la facoltà della Shepherd University ,
come parte di un team che comprende amici e collaboratori di lunga
data Abraham Laboriel e Jimmy Branly. Negli ultimi anni,
Otmaro Ruiz ha pubblicato il suo CD "elettrico" a lungo
sognato in formato Trio con i famosi musicisti Jimmy Haslip e
Jimmy Branly intitolato "Elemental" ottenendo incredibili
recensioni internazionali, ed è diventato anche un membro
dell'influente Jazz Rock Fusion Band "Protocol"
di Simon Phillips . ed è stato in tournée con SoulBop, un
ensemble di Modern Electric Jazz diretto da Randy Brecker e Bill
Evans . Ruiz rimane attivo fino ai giorni nostri, generalmente
registrando e facendo tournée con gruppi e cantanti con sede a Los
Angeles, oltre a dirigere i propri progetti.
Nicolas Horvath (nato l'11 agosto
1977 a Monaco) è un pianista e compositore
elettroacustico francese. A 10 anni, Nicolas Horvath è
stato selezionato per un programma avviato dalla Principessa
Grace di Monaco per bambini con predisposizioni musicali. Ha
ricevuto all'unanimità il Premio dell'Accademia di Musica Principe
Ranieri III con i complimenti della giuria. All'età di 15 anni, durante un
concorso dell'Academie de Musique Prince Rainier III, fu scoperto dal
direttore d'orchestra Lawrence Foster che ottenne una borsa
di studio dalla Princess Grace Foundation che gli permise
di lavorare per tre estati consecutive all'Aspen Music Festival
and School con Gabriel Chodos. Al suo ritorno, ha
lavorato per due anni con Gérard Frémy che lo ha
introdotto alla musica contemporanea. Nel 1998 entra all'École Normale
de Musique di Parigi. A partire dal 2002 ha lavorato per quattro
anni con Bruno Leonardo Gelber e Germaine Deveze che gli
hanno chiesto di non dare alcun concerto o partecipare ad alcuna
competizione durante il suo apprendistato. Poi lasciò l'École
Normale. Nel 2004 si iscrive al corso di composizione
elettroacustica di Gino Favotti dove ha seguito masterclass
di François Bayle e Christian Zanési e nel 2006 al
corso di composizione elettroacustica di Christine Groult . Dal 2008 al 2011 ha vinto numerosi
concorsi internazionali come il Concorso Luigi Nono, Alexander Scriabin, Osaka, Fukuoka, Yokohama.
Nel 2010 si è iscritto alla Oxana Yablonskaya Piano School e al
Certificato Internazionale per Artisti di Pianoforte. Gli
incontri con Leslie Howard, Gabriel
Tacchino, Philippe Entremont e Éric
Heidsieck segnano la sua carriera. Nicolas Horvath collabora con
compositori come Régis Campo , Denis
Levaillant , Jaan Rääts , Tõnu Kõrvits , Alvin
Curran , Fabio Mengozzi , William Susman , Alp
Durmaz , Andre Bangambula Vindu , Mamoru
Fujieda ... A lui
sono dedicati brani da un centinaio di compositori per più di cento pezzi.
Nicolas Horvath suona anche opere poco conosciute
come Christus di Franz Liszt , La caduta
della casa Usher di Claude Debussy , la versione
completa di Il figlio delle stelle di Erik Satie ,
nonché compositori dimenticati e trascurati come Moondog , Hélène
de Montgeroult , Ludovic Lamothe , Jacques
Champion de Chambonnières , Friedrich
Kalkbrenner , Élisabeth Jacquet de La Guerre , Nobuo
Uematsu , Charles-Valentin Alkan , Karl August
Hermann ...
Nicolas Horvath si distingue organizzando maratone di concerti
come Vexations di Erik Satie che ha eseguito 12
volte da solo e senza alcuna sosta o interruzione, le Notti del
pianoforte minimalista e l'intera musica per
pianoforte di Erik Satie o Philip Glass . Il 21 aprile
2012, con Andrea Clanetti Santarossa, hanno realizzato alla Galleria
Entrepot di Monaco il primo vero e proprio evento monegasco
sulla musica di La Monte Young . Una parte del pubblico si
scandalizzò e abbandonò la tribuna urlando.
Il 12 dicembre 2012, ha eseguito al museo Palais de
Tokyo di Parigi una versione solista non-stop di 35
ore di Vexations di Erik Satie. Dal 23 giugno
al 27 luglio 2013, è stato invitato dalla Galleria DO NOT OPEN
di Bruxelles a tenere la sua prima mostra, fortemente
influenzata da Clyfford Still e Hermann Nitsch. L'11 aprile
2014, al Palais de Tokyo , ha presentato in anteprima
GlassWorlds, un gigantesco omaggio a Philip Glass in cui
120 compositori provenienti da 56 paesi e tutti i generi musicali
hanno scritto un'opera per questo programma. Il 9 gennaio
2015, alla Carnegie Hall di New York , ha presentato
in anteprima i 20 studi di Philip Glass completi . Il 31 ottobre
2015, la Galleria dell'Estonia (il padiglione estone), nell'ambito
della giornata di chiusura dell'Expo Mondiale di Milano, lo
ha invitato a tenere il primo recital di sola musica di Jaan
Rääts. Il 25 maggio
2016 ha tenuto un recital di Jaan Rääts al Parlamento europeo di
Strasburgo per la cerimonia di inaugurazione dell'Estonia alla guida
del Consiglio d'Europa. Nella notte
tra l'1 e il 2 ottobre 2016, alla Philharmonie Boulez Hall di Parigi,
ha eseguito una maratona di dodici ore di opere per pianoforte di
Philip Glass. Nell'aprile
2017, ha chiesto a tutti gli studenti di Jaan Rääts,
come Erkki-Sven Tüür , Tõnu Kõrvits , Timo
Steiner , Kerri Kotta ... di comporre ciascuno di loro
un brano esclusivo per un Jaan Rääts Homage tour tutto-Estonia (per
l'85° anniversario del compositore). Il 18 marzo
2018 ha eseguito in prima mondiale a Nantes, durante il
Festival Variations, l'integrale della musica per pianoforte di Erik
Satie. [ Il 24 marzo
2018 è stato invitato dal Museo Labenche di Brive-la-Gaillarde a
tenere un recital di Claude Debussy sull'ultimo pianoforte
del compositore in occasione del suo centenario. Durante questo
concerto Nicolas Horvath ha eseguito in prima assoluta opere di
Claude Debussy completate dal musicologo Robert
Orledge . Il 9
settembre 2018, ha eseguito la prima mondiale del Libro completo
dei canoni n°1, 2 e 3 e del Grande Canone di Moondog
a Tolosa per il concerto di apertura della stagione di
Moondog e per il Festival Piano aux Jacobins. Il 28 aprile
2019 è stato il primo pianista ad eseguire in un unico concerto e
senza alcuna interruzione tutte le 15 Klavierstuke per
pianoforte solo di Karlheinz Stockhausen a Nantes per
il Variations Festival. Il 17 e 18
maggio 2019 è stato selezionato dallo stesso Philip Glass per
eseguire gli Etudes di Glass n. 13 e 14 durante i concerti di Philip
Glass & Friends alla Philharmonie de Paris.
Simone
Andrea Dinnerstein (nata il 18 settembre 1972) è una pianista classica americana, nata a New York da una
famiglia ebrea, figlia di Renee e Simon
Dinnerstein. Ha studiato nel programma
pre-college presso la Manhattan School of Music con Solomon
Mikowsky. All'età di 15 anni fece un'audizione a
Londra con Maria Curcio , una studentessa di Artur
Schnabel – in questo viaggio incontrò anche il suo futuro
marito, Jeremy Greensmith – e all'età di 18 anni abbandonò
la Juilliard School of Music per studiare a Londra. con
Curcio per sei anni. Successivamente frequentò la
Juilliard e fu allieva di Peter Serkin .
Quando nel 2007 l' etichetta Telarc pubblicò la
registrazione autofinanziata delle Variazioni Goldberg di Johann
Sebastian Bach, la prima
settimana la registrazione era al primo posto
nella classifica delle vendite di CD di musica classica di
Billboard.
Per dare seguito al suo successo, Dinnerstein ha registrato un
recital dal vivo alla Philharmonie di Berlino , il 22
novembre 2007. Il programma includeva "Piano Variations"
di Aaron Copland e "Variations" di Anton
Webern. Successivamente si è concentrata su tre opere relative a
Bach da includere nel CD, le Suite francesi n. 5 in
sol di Bach ( BWV 816), la prima registrazione di
Dodici Variazioni su un corale di JS Bach; il
compositore americano Philip Lasser (nato nel 1963), e
la Sonata per pianoforte n. 32, op. 111 , di Beethoven (con
un primo movimento che fa ampio uso di tessiture fugali che
ricordano Bach).
E' stata
un'artista ospite al Bard Music
Festival; iInoltre, è
apparsa come musicista da camera in spettacoli di musica
contemporanea, comprese opere di Yehudi Wyner e Ned
Rorem . Dinnerstein è stata in tournée come
pianista solista con la Filarmonica di Dresda e la
Filarmonica Ceca . Si è esibita con la Jerusalem Symphony
Orchestra , la Stuttgart Radio Symphony Orchestra ,
la New Jersey Symphony Orchestra , l'Orchestra di San
Luca di New York , la New York Philharmonic e
l'Absolute Ensemble.
Nel 2010, Simone Dinnerstein ha firmato con la Sony
Classical e nel gennaio 2011 ha pubblicato il suo
primo album per l'etichetta, intitolato Bach: A Strange
Beauty. Il suo secondo album Sony
Classical, Something Almost Being Said: Music of Bach and
Schubert, è stato pubblicato nel gennaio 2012.
Nel 2013, Dinnerstein ha pubblicato un album della Sony con il
cantautore Tift Merritt chiamato Night . Quell'anno
pubblicò anche per Sony un album chiamato Bach Re-Invented ,
che intervallava Bach con nuove composizioni basate su Bach di Daniel
Schnyder (un compositore svizzero, sassofonista e flautista jazz),
Tom Trapp e Gene Pritsker ; nell'album, l'Absolute Ensemble
è stato diretto da Kristjan Järvi . Nel 2014,
Sony ha pubblicato la registrazione di Dinnerstein delle Invenzioni e
Sinfonie di Bach . Nel febbraio
2015, la Sony ha pubblicato una registrazione con Dinnerstein come
solista, intitolata Broadway-Lafayette . Comprende
tre opere: il Concerto per pianoforte di Maurice Ravel ;
la Rapsodia in blu di George Gershwin ; e un
nuovo concerto composto per lei nel 2012 da Philip
Lasser intitolato The Circle and the Child: Concerto per
pianoforte e orchestra , ispirato a un corale di Johann
Sebastian Bach , Ihr Gestirn, ihr hohen Lüfte. Nella
registrazione, Dinnerstein è accompagnato dall'Orchestra Sinfonica
della Radio di Lipsia MDR diretta da Kristjan Järvi .
Ex insegnante di pianoforte, Dinnerstein risiede nella sezione Park
Slope di Brooklyn , New York. Suo marito,
l'ex giornalista britannico Jeremy Greensmith, insegna alla scuola elementare PS 321 di New York. La madre di Dinnerstein, Renee Dinnerstein, ha
insegnato educazione della prima infanzia alla PS 321 per diciotto
anni e ora gestisce il blog "Investigating Choice Time: Inquiry,
Exploration and Play".
Enrico Baiano (Napoli, 2 ottobre 1960) è un clavicembalista italiano, noto sulla scena internazionale come virtuoso e rigoroso interprete della musica antica. Si è diplomato in Pianoforte e composizione presso il Conservatorio San Pietro a Majella di Napoli; ha proseguito gli studi al Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano con Emilia Fadini, specializzandosi in clavicembalo, clavicordo e fortepiano. Svolge attività concertistica internazionale con un ampio repertorio, ed ha effettuato registrazioni per programmi radiofonici e televisivi in Italia e in vari paesi europei. Ha inciso numerosi CD, per i quali ha ottenuto diversi premi e riconoscimenti, con le composizioni di alcuni grandi musicisti barocchi, tra cui Domenico Scarlatti, Girolamo Frescobaldi, Pietro Domenico Paradisi, Antonio Vivaldi, Johann Jakob Froberger, Antonio de Cabezón, Johann Sebastian Bach. Baiano è tra i maggiori studiosi ed interpreti della musica di Domenico Scarlatti. Altri autori ai quali dedica studio approfondito sono i virginalisti inglesi, Henry Purcell, Louis Couperin, i maestri del Seicento napoletano (Ascanio Mayone, Giovanni Maria Trabaci, Giovanni Salvatore, Gregorio Strozzi ecc.), Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Muzio Clementi, Ludwig van Beethoven. Ha partecipato a due film-documentario del regista Francesco Leprino: Un gioco ardito - Dodici variazioni tematiche su Domenico Scarlatti e Sul nome B.A.C.H. È stato docente di clavicembalo al Conservatorio Alessandro Scarlatti di Palermo ed al Conservatorio Domenico Cimarosa di Avellino; attualmente insegna clavicembalo e tastiere storiche al Conservatorio S.Cecilia di Roma. È membro dell’Advisory Panel of the Historical Keyboard Society of North America. Nel 2024 gli è stato conferito il Premio Franco Abbiati.
Izumi Tateno (nato il 10 novembre 1936
a Tokyo) è un pianista giapponese; ha studiato al Tōkyō
Geijutsu Daigaku ed è oggi professore all'Accademia Sibelius di
Helsinki. Dopo un ictus durante un concerto il 9
gennaio 2002, ha dovuto prendersi una pausa per un po'. Anche dopo la
riabilitazione medica, aveva ancora la paralisi della parte destra
del corpo; dal suo ritorno nel maggio 2004 suona quindi
esclusivamente con la mano sinistra. Numerosi compositori gli hanno
dedicato brani appositamente adattati alle sue esigenze. Tateno
ha vinto numerosi premi e riconoscimenti. Dal 17 settembre 1990 è
presidente della Japanese Sibelius Society di cui è membro
fondatore. Tateno è attualmente attivo
principalmente in Finlandia, dove si è trasferito nel 1964. In
Giappone, è diventato ampiamente conosciuto grazie alla sigla che ha
eseguito per il dramma televisivo Taira no Kiyomori ,
composto da Takashi Yoshimatsu .
Paul Christopher Richard
Crossley CBE (nato il 17 maggio 1944) è un pianista
britannico. Nato a Dewsbury, nello
Yorkshire, la sua insegnante di pianoforte è stata Fanny
Waterman a Leeds . Mentre era studente
al Mansfield College di Oxford , fu scoperto da Olivier
Messiaen e sua moglie Yvonne Loriod , che lo sentirono
suonare e lo invitarono immediatamente ad andare a Parigi per
studiare con loro. Nel 1968 vinse il secondo premio (insieme al pianista giapponese Izumi Tateno ) al Concorso Messiaen
di Royan , in Francia. Crossley è particolarmente
associato alla musica di Messiaen e ai compositori britannici
come Michael Tippett , Nicholas Maw e George
Benjamin . Tippett scrisse la sua terza e quarta sonata per
pianoforte pensando a Crossley. La sua vasta discografia comprende le
opere per pianoforte di Tippett, Fauré , Debussy e Ravel e
le sonate per violino di Fauré con Arthur Grumiaux . Crossley è stato direttore artistico
della London Sinfonietta dal 1988 al 1994. Ha presentato per Channel
4 una serie televisiva storica sulla musica
classica d'avanguardia intitolata Sinfonietta .
Leonard Shure (10 aprile 1910 a Los Angeles – 28 febbraio 1995 a Nantucket, Massachusetts) è stato un pianista americano. Ha iniziato la sua carriera come artista all'età di 5 anni e da adolescente ha studiato privatamente con Artur Schnabel in Germania. Shure si diplomò alla Hochschule für Musik di Berlino nel 1927, momento in cui fece il suo debutto in Germania. Servì come primo e unico assistente di Schnabel fino al 1933. Shure ritornò negli Stati Uniti nel 1933 e fece la sua prima apparizione in un concerto a New York con la Boston Symphony Orchestra diretta da Serge Koussevitzky. È stato solista di spicco con praticamente tutte le principali orchestre sinfoniche degli Stati Uniti, tra cui la New York Philharmonic, le orchestre sinfoniche di Detroit, St. Louis, Pittsburgh e, in numerose occasioni, con la Cleveland Orchestra sotto la direzione di George Szell . Nel 1941 Shure divenne il primo pianista ad esibirsi al Berkshire Music Festival di Tanglewood, dove apparve con Koussevitzky e la Boston Symphony Orchestra. Nel 1946 eseguì l'intero ciclo delle sonate di Beethoven con il violinista Henri Temianka alla Biblioteca del Congresso di Washington DC. Si esibì anche con eminenti direttori come William Steinberg, Leonard Bernstein e Dimitri Mitropoulos. Nel 1979 Shure fece un tour di successo nell'Unione Sovietica. Shure ha insegnato al Cleveland Institute of Music, all'Università del Texas, alla Boston University e alla Mannes School of Music di New York. Nelle estati del 1966 e del 1967, Shure tenne i primi corsi di musica applicata mai offerti all'Università di Harvard. Ha trascorso due estati alla Rubin Academy di Gerusalemme e quattro estati ad Aspen, in Colorad . In tarda età, Shure fu membro della facoltà del Conservatorio di musica del New England.
Karl Ulrich Schnabel (6 agosto
1909 – 27 agosto 2001) è stato un pianista austriaco. Schnabel era
il figlio del pianista Artur Schnabel e della
cantante lirica di contralto e lieder Therese
Behr e fratello maggiore dell'attore americano Stefan
Schnabel. Insegnante di pianoforte di fama internazionale, i
suoi studenti includono, tra gli altri, Leon Fleisher , Claude
Frank , Richard Goode , Kwong-Kwong
Ma , Stanislav Ioudenitch , Jon
Nakamatsu , Murray Perahia e Peter Serkin .
Karl Schnabel è nato a Berlino il 6 agosto 1909. Ha
iniziato lo studio del pianoforte all'età di cinque anni. Dal 1922
al 1926 studiò alla Hochschule für Musik di Berlino con Leonid
Kreutzer e Paul Juon . Ha avuto una brillante carriera
come maestro di pianoforte e come interprete internazionale. Schnabel
lasciò Berlino nel 1933 quando Adolf Hitler salì al
potere, stabilendosi brevemente sul Lago di Como; emigrò negli Stati
Uniti nel 1939, poco prima della seconda guerra mondiale. Nello
stesso anno sposò la pianista americana Helen
Fogel (1911–74), con la quale suonò un ampio
repertorio di duetti pianistici. Avevano una figlia, Ann. Durante la
seconda guerra mondiale interruppe la sua carriera musicale per
dedicarsi al lavoro bellico come capo di un laboratorio elettronico
nel Massachusetts . Gli interessi extra-musicali di
Schnabel includevano l'arrampicata su roccia e la fotografia. Per
diversi anni è stato attivo nella produzione di film; nel 1932 fu
produttore, regista e direttore della fotografia di un lungometraggio
tratto da una fiaba tedesca. Da giovane ha partecipato a tornei di
ping pong. Durante questo periodo Karl Ulrich Schnabel mantenne anche
un elaborato treno elettrico in miniatura, completo di orari. L'amico
di famiglia Paul Hindemith ha aiutato a far funzionare i
treni. Karl Ulrich
Schnabel morì a Danbury, nel Connecticut , il 27 agosto
2001. Fu sepolto nel terreno di famiglia a Svitto , in
Svizzera , accanto ai suoi genitori e alla moglie. Le carte di
Karl Ulrich Schnabel sono conservate presso l'Archivio musicale
dell'Akademie der Künste di Berlino. Sua figlia Ann
Schnabel Mottier dirige attualmente la Schnabel Music Foundation,
insieme al marito Francois Mottier. Il loro figlio Claude Alain
Mottier (1972-2002), anche lui pianista, morì vittima innocente in
un incidente stradale e fu sepolto nella tomba di famiglia. Nel 2006
il Comune di Svitto ha dichiarato la tomba monumento protetto e
quindi esentata dall'obbligo di rimuovere i resti dopo un certo
periodo. Karl Ulrich Schnabel ereditò dai suoi
genitori un approccio che univa l'intensità drammatica
dell'espressione con l'assoluta fedeltà al testo stampato. È
ricordato per la sua fantasiosa interpretazione dei cicli di
canzoni di Schubert . Nel 1926 fece il suo debutto in
recital a Berlino, e successivamente tenne recital in tutta Europa,
Nord e Sud America, Russia, Giappone, Australia e Nuova Zelanda. Ha accompagnato la madre a casa e per
concerti e registrazioni. Fin dalla tenera età ha suonato per le sue
lezioni di canto e ha allenato i suoi studenti. Schnabel ha effettuato numerose
registrazioni, da solista e a quattro mani,
per HMV , EMI , Philips , Musical
Heritage Society , Sheffield e TownHall , tra gli
altri. Fu autore del noto libro Tecnica moderna del
pedale (1950). Ha pubblicato anche edizioni di composizioni
di Schubert e Weber . Schnabel
si dedicò con passione alla rinascita della musica per pianoforte a
quattro mani in gran parte trascurata, registrando musica
di Schubert , Mozart e Schumann , tra
gli altri. L'esecuzione a quattro mani, ha osservato Schnabel, era
un'impresa completamente diversa dall'esecuzione da solista: "Suonare
a quattro mani è un'arte complessa che richiede tempo e pazienza
enormi. Sei la metà di un tutto piuttosto che un tutto in te stesso.
Il repertorio possiede le qualità della musica da camera, della
musica sinfonica e della musica virtuosa, a volte tutte nello stesso
pezzo." Karl Ulrich
Schnabel ha iniziato ad esibirsi in duo e a registrare con suo padre
come partner. Alcune di queste prime esibizioni sono memorizzate su
disco. I due scambiarono le parti di Primo e Secondo e fecero un
patto di non rivelare mai chi suonava quale parte nelle
registrazioni. Nel 1939, lui
e sua moglie, la pianista americana Helen Fogel, fondarono il Piano
Duo Schnabel, che eseguì concerti per due pianoforti e orchestra,
nonché recital per un pianoforte a quattro mani. Nel 1956 il duo
partecipò all'Holland Festival in cinque spettacoli con
orchestra e nel 1972 si esibirono al Festival di Edimburgo . Cinque anni
dopo la morte della moglie, nel 1979, Karl Ulrich Schnabel formò un
nuovo duo con la pianista canadese Joan Rowland .
Karl Ulrich Schnabel è oggi meglio conosciuto come insegnante di
pianoforte di fama internazionale. Ha iniziato a insegnare all'età
di 13 anni come assistente di suo padre. Nel 1940
divenne capo di tutti i dipartimenti strumentali
della Dalcroze School di New York . A partire dal
1947, riprese una tradizione di famiglia: corsi annuali di master
estivi internazionali sul Lago di Como, in Italia.
Inoltre, ha tenuto master in tutto il mondo. Divenne membro della facoltà
presso la Manhattan School of Music nel 1985 e vi rimase
fino al suo pensionamento nel 2000. A partire dai
primi anni '60 ha tenuto numerose masterclass in tutto il mondo. I
pianisti che hanno suonato nelle masterclass di Schnabel
includono Murray Perahia , Richard Goode , Wyung
Whon Chung , Ursula Oppens e George Watson .
I suoi ex studenti includono Leon Fleisher , Claude
Frank e Peter Serkin . Edward Turgeon e Anne
Louise-Turgeon , vincitori del Concorso internazionale per
due pianoforti Murray Dranoff , hanno studiato con Karl Ulrich
Schnabel, così come i vincitori del concorso Van
Cliburn Stanislav Ioudenitch (2001) e Jon
Nakamatsu (1997).
Raoul Armand Jerzy (von) Koczalski (3
gennaio 1884 - 24 novembre 1948) è stato un pianista e compositore
polacco. Usò anche lo pseudonimo Georg Armand(o) Koczalski.
Nato a Varsavia , Koczalski
fu allievo prima di sua madre, poi di Julian Gadomski (1888–1890).
Dopo aver fatto la sua prima apparizione pubblica nel 1888 (all'età
di 4 anni), i suoi genitori lo portarono a suonare per Anton
Rubinstein , che prevedeva la possibilità di una carriera da
attore. Non studiò mai al conservatorio ma ebbe ulteriori lezioni
private di pianoforte e composizione con Ludwig
Marek (1891–1892), Karol Mikuli (1893–1895) (lo
studente e compositore polacco preferito di Chopin) e
strumentazione con Henryk Jarecki (1893 –1894). All'età di 7
anni dava concerti e a 9 suonava nelle principali città europee
come virtuoso. Il suo millesimo concerto fu tenuto a
Lipsia nel 1896, e all'età di 12 anni aveva ricevuto premi come
l'Ordine del Leone e del Sole (dallo Scià di Persia ), il
titolo di Pianista di Corte (dal Re di Spagna), e una medaglia del
sultano turco. Già da bambino aveva un repertorio molto vasto.
Durante la prima guerra mondiale fu internato a Bad Nauheim ,
in Germania.
Come compositore, Koczalski ha creato
numerose opere per pianoforte solo, concerti strumentali per vari
strumenti solisti con orchestra, opere per orchestra, opere
musico-drammatiche per il palcoscenico, musica da camera in varie
strumentazioni, nonché molte canzoni con accompagnamento di
pianoforte. La maggior parte delle composizioni sono state pubblicate
all'estero (Germania, Russia, Francia). Le composizioni di Koczalski
sono oggi in gran parte dimenticate. Stilisticamente appartengono al
periodo tardo romantico. I grandi sconvolgimenti nel campo della
musica contemporanea ( atonalità , musica
dodecafonica ) avvenuti durante il periodo creativo di Koczalski
non hanno avuto alcuna influenza sul suo stile. In un libro dedicato a Chopin,
pubblicato nel 1936, prende chiaramente posizione contro la musica
contemporanea. Ritiene falliti gli esperimenti degli ultimi 25 anni,
che hanno cercato nuove strade su una "base cerebrale,
matematica", e chiama i rappresentanti della musica moderna, che
chiama "sperimentatori, modernisti, armeggiatori, sovversivi".
tristi fantasmi di un tempo ancora più triste." In questo
senso, si adeguò alla prospettiva della classe politica nazista al
potere alla fine degli anni ’30. Restano valide le osservazioni di
Koczalski sul carattere e sull'interpretazione della musica di
Chopin, sebbene lo stile interpretativo di molti pianisti moderni non
corrisponda più a quella della tradizione dei grandi pianisti Chopin
del passato. La conoscenza dell'edizione pianificata da Koczalski
delle opere per pianoforte di Chopin sarebbe stata molto importante
per la pratica esecutiva delle opere per pianoforte di Chopin. Koczalski era molto apprezzato come
interprete di Chopin in Germania, dove visse negli anni '20 e '30.
Durante questi anni scrisse anche molte recensioni, usando il suo
pseudonimo, fondò una scuola di musica che fallì e si ristabilì
come pianista nel 1934. Fece tournée in Francia, Italia e
Polonia, ma (nonostante i molti inviti) non negli Stati Uniti per
motivi di salute. Durante la Seconda Guerra Mondiale fu nuovamente
internato (a Berlino), e nel 1945 andò a vivere a Poznań ,
accettando un posto di professore presso la Scuola Superiore di
Musica Statale. Come interprete, l'opera completa di
Chopin e l'integrale delle sonate di Beethoven costituiscono il
fulcro di un repertorio molto vasto dei generi classico e romantico.
Era considerato uno dei più grandi interpreti della musica di Chopin
e uno dei più grandi pianisti del suo tempo, con una tecnica molto
liquida, un equilibrio armonioso e interpretazioni che non si
prendevano le libertà di molti dei suoi contemporanei, rimanendo più
vicini alla partitura scritta. Secondo Seidle (2003), "il suo modo di suonare evita gli estremi, è chiaro, colorato, con un
fraseggio fluido e sottile e un'ampia dinamica". ("Sein
Spiel meidet Extreme, ist klar, farbig, mit fließender, subtiler
Phrasierung und breiter Dynamik.") Tra i suoi allievi
figurano Detlef Kraus , Monique de La
Bruchollerie , Hanna Rudnicka-Kruszewska , Wanda
Losakiewicz e Irena Wyrzykowska-Mondelska . Koczalski morì a Poznań all'età
di 64 anni.
Nata a Strasburgo nel 1958, Elizabeth
Sombart inizia lo studio del pianoforte a 7 anni. Entra al
Conservatorio di Strasburgo e realizza il suo primo concerto a 11
anni. Dopo aver ottenuto il Diploma di pianoforte e di musica da
camera a 16 anni, decide di lasciare la Francia per perfezionare la
sua arte a Buenos Aires, con Bruno Leonardo Gelber e sua madre. In
seguito, completa la sua formazione con altri importanti Maestri,
quali Peter Feuchtwanger a Londra, Hilde Langer-Rühl a Vienna dove
approfondisce l’uso della respirazione nella tecnica pianista e,
infine, con Sergiu Celibidache presso l’Università di Magonza,
dove approfondisce per oltre dieci anni gli studi di fenomenologia
musicale. Elizabeth Sombart realizza concerti nel mondo intero,
presso le migliori sale da concerto: Teatro dei Champs-Elysées a
Parigi, Carnegie Hall a New York, Wigmore Hall e Cadogan Hall a
Londra, Concertgebouw ad Amsterdam, Suntory hall a Tokyo, Salle Palau
a Barcellona. Nel 2006 viene nominata Cavaliere dell’Ordine
Nazionale del Merito per l’insieme della sua opera e nel 2008,
Cavaliere dell’Ordine delle Arti e delle Lettere per la sua
carriera artistica. Il suo insegnamento unico e innovativo, la
Pedagogia Résonnance: fenomenologia del suono e del gesto, opera di
oltre 500 pagine, è il frutto di 30 anni di ricerca e di
esperienza. Nel 2009 è nominata docente presso l’École
Polytechnique Fédérale de Lausanne e nel 2010, con presso
l’Università di Roma Tre. Crea nel 2010 con Jordi Mora,
direttore d’orchestra, il CIEPR – Centro Internazionale della
Pedagogia Résonnance, divenuto nel 2016, Accademia Résonnance.
Lestari Scholtes (1984) e Gwylim
Janssens (1985) hanno formato il loro duo pianistico nel 2003. Sono
acclamati come uno dei duo pianistici più apprezzati della loro
generazione e uno dei principali duo pianistici dei Paesi Bassi. Il
loro debutto alla Carnegie Hall nel 2009 è stato elogiato perché
"avrebbero potuto benissimo essere 25 o 30 dita, tanto era
grande e ben integrato il suono". Duo fantastico e al top della
forma'. Nel maggio 2012 Lestari & Gwylim tornano alla Carnegie
Hall ricevendo grandi critiche di pubblico e stampa. La stampa
americana sulla loro interpretazione della Petrushka di Stravinskij:
“Superbo lavoro di squadra – due come uno – con transizioni
eccellenti e avvincenti tra gli episodi”. Scholtes &
Janssens si sono esibiti ampiamente in oltre 30 paesi, tra cui in
molti paesi europei, Stati Uniti, Antille olandesi, Dubai, Zimbabwe,
Etiopia, Cile, Bolivia, Mongolia, Tailandia, Vietnam, Cambogia,
Singapore, Brunei, Myanmar, Malesia, Indonesia , Corea del Sud, Cina
e Giappone. Le loro esibizioni sono state trasmesse dalla radio e
dalla televisione di diversi paesi, tra cui Radio4 olandese, BBC3,
Radio belga Klara e Kol Hamusica israeliana. I festival includono ad
esempio il Festival di Bath, TonLagen-Dresdner Festival der
zeitgenössischen Musik, Grachtenfestival Amsterdam, Braunlage
Maikonzerte, Basilica Festival of Flanders, Klevische Klaviersommer,
Almere Chamber Music Festival, Festival Classique The Hague, Tengiz
Amirejibi International Music Festival e l'International Piano Duo
Festival Polonia. Il duo si è esibito con molte orchestre, tra cui
la Rotterdam Philharmonic, la Residence Orchestra, la Brabants
Orchestra, la Israel Symphony Orchestra, la Sinfonia Rotterdam e la
re:orchestra. Il duo ha vinto concorsi nazionali e internazionali
per duo pianistico e musica da camera, tra gli altri il prestigioso
Concorso Vriendenkrans del Concertgebouw di Amsterdam, il Gran Premio
IBLA, il Concours Musical de France, il Concorso Internazionale di
Musica da Camera di Almere, ecc. ed è stato acclamato Talento
dell'anno. 2010 da Radio4 nazionale olandese. Lestari e Gwylim sono
membri della giuria in numerosi concorsi (inter)nazionali. Hanno
tenuto masterclass presso conservatori e accademie di musica di tutto
il mondo. Nel 2013, il duo ha fondato il Pianoduo Festival
Amsterdam, uno dei festival più importanti al mondo dedicato
esclusivamente al genere del duo pianistico. Il festival, tuttora
gestito artisticamente e prodotto dal duo, si svolge nel centro
storico di Amsterdam. Dal 2016, il duo ospita un secondo festival,
l'annuale Kamermuziek Festival Schoorl (Schoorl Chamber Music
Festival) nel nord-ovest dei Paesi Bassi. In duo hanno studiato
con il duo pianistico Sivan Silver & Gil Garburg alla Hochschule
für Musik, Theater und Medien di Hannover, Germania. Come solista,
Lestari ha studiato con Jan Wijn al Conservatorio di Amsterdam.
Gwylim ha studiato al Conservatorio Codarts di Rotterdam con Bart van
de Roer. Il duo si è incontrato al Dipartimento per Giovani Talenti
del Conservatorio Fontys di Tilburg dove entrambi hanno studiato
sotto la guida di Ton Demmers. Insieme hanno seguito numerosi corsi
di perfezionamento con Nikolai Petrov, Alexander Tamir, Jean-Yves
Thibaudet, Victor Derevianko, Alon Goldstein, Peter Takács, Paul
Lewis e Menahem Pressler. Nel novembre 2010 hanno pubblicato il loro
CD di debutto con opere di Rachmaninoff, Debussy e Ravel, sotto
l'etichetta QuattroLive. Nel maggio 2014 il loro secondo cd 'Paris!'
è stato pubblicato dalla Etcetera Records, ricevendo ottime critiche
da parte di stampa e pubblico. Il loro terzo cd è stato pubblicato all'inizio
del 2021 con Challenge Records International.
Juho Pohjonen nato ad Helsinki nel
1981 è considerato uno degli strumentisti più interessanti di oggi.
Iniziando i suoi studi di pianoforte nel 1989 presso la Junior
Academy dell'Accademia Sibelius di Helsinki, Pohjonen ha
successivamente conseguito un Master presso Meri Louhos e Hui-Ying
Liu-Tawaststjerna nel 2008. Pohjonen è stato selezionato da Sir
Andras Schiff come vincitore del 2009 Borsa di studio del Klavier
Festival Ruhr e ha vinto premi in concorsi internazionali e
finlandesi. Il pianista finlandese è apparso come solista con la BBC
Philharmonic, la Cleveland Orchestra, la Dutch National Symphony, la
Finnish Radio Symphony, la Helsinki Philharmonic, la Los Angeles
Philharmonic, la National Arts Center Orchestra, la Philharmonia
Orchestra, la San Francisco Symphony e la Scottish Chamber Orchestra.
Pohjonen ha collaborato con i più importanti direttori d'orchestra
di oggi, tra cui Marin Alsop, Lionel Bringuier, Marek Janowski,
Fabien Gabel, Kirill Karabits, Esa-Pekka Salonen, Markus Stenz, Osmo
Vänskä e Pinchas Zukerman. Ardente esponente della musica
scandinava, la crescente discografia di Pohjonen offre una vetrina di
musica di compatrioti finlandesi come Esa-Pekka Salonen, Kaija
Saariaho e Jean Sibelius. Ha eseguito il nuovo concerto per
pianoforte del compositore finlandese Sauli Zinovjev con la Lahti
Sinfonia come parte di un focus compositivo e si è unito alla
Filarmonica della Radio Tedesca e Pietari Inkinen per il primo
Concerto per pianoforte di Bartok. Tra gli eventi più importanti da
camera figurano un concerto alla Elbphilharmonie di Amburgo, New York
con la Chamber Music Society e recital a Helsinki, tra gli altri.
Sostenitore del repertorio contemporaneo, le ultime stagioni hanno
visto Pohjonen eseguire il Concerto per processioni per pianoforte di
Daniel Bjarnason con la Filarmonica di Helsinki e il compositore sul
podio, dopo averlo precedentemente eseguito con Tapiola Sinfonietta. La registrazione più recente di
Pohjonen con il violoncellista Inbal Segev comprende sonate per
violoncello di Chopin e Grieg e Fantasiestücke di Schumann, tratti
distintivi del repertorio romantico. Plateaux, la sua registrazione
di debutto su Dacapo Records, comprendeva opere del compianto
compositore scandinavo Pelle Gudmundsen-Holmgreen, tra cui la suite
per pianoforte solo For Piano e il concerto per pianoforte Plateaux
pour Piano et Orchestre, con l'Orchestra Sinfonica Nazionale Danese e
il direttore Ed Spanjaard. Pohjonen si unisce al violinista Petteri
Iivonen e al violoncellista Samuli Peltonen per formare il Sibelius
Trio, che ha pubblicato una registrazione su Yarlung Records in onore
del centenario dell'indipendenza della Finlandia nel 1917. L'album,
descritto da Stereophile come "uno splendido debutto",
includeva opere di Sibelius e Saariaho. Pohjonen ha lanciato MyPianist nel
2019, un'app iOS basata sull'intelligenza artificiale che fornisce
accompagnamento di pianoforte interattivo ai musicisti di tutto il
mondo. Progettato e programmato dallo stesso Pohjonen e intriso della
sua acuta sensibilità musicale, MyPianist funge da "pianista
virtuale" per i musicisti che desiderano affinare le proprie
capacità o apprendere nuovo materiale. MyPianist "ascolta"
attentamente l'esecuzione del musicista e ricrea la parte del
pianoforte in tempo reale, adattando i tempi e le sfumature
dell'esecuzione dal vivo.
Linda Nicholson è una delle
tastieriste più importanti specializzata nell'esecuzione di musica
barocca, classica e del primo romanticismo su strumenti dell'epoca.
Dopo aver studiato alla London University (B.Mus.) e al Royal College
of Music (pianoforte con Kendall Taylor, clavicembalo con Ruth Dyson)
ha vinto i primi due concorsi internazionali indetti per fortepiano,
ovvero il Concours International du Pianoforte di Parigi e il
Concorso Festival delle Fiandre a Bruges. Da allora ha guadagnato una
reputazione internazionale, esibendosi in importanti festival e serie
di concerti in tutta Europa e in Estremo Oriente. Il suo ampio
repertorio comprende opere solistiche, musica da camera e
concerti.
Linda è in grado di offrire una combinazione
ineguagliabile di esperienza musicale e conoscenza storica degli
strumenti a tastiera. Ha avuto la fortuna di poter creare, insieme al
marito, una delle maggiori collezioni europee di strumenti a tastiera
che vanno dalla fine del XVI all'inizio del XIX secolo. Il contatto
diretto con strumenti originali dei migliori liutai e in perfetto
ordine di esecuzione ha dato a Linda una visione unica delle
particolari caratteristiche e delle esigenze tecniche di ciascuno di
essi: le sue esibizioni sono regolarmente elogiate non solo per la
loro integrità musicale ma per la bellezza e la varietà dei suoni.
che è in grado di evocare dalla tastiera, sia essa clavicembalo,
clavicordo o fortepiano. Utilizza questi strumenti, normalmente
accessibili solo nelle collezioni dei musei, per concerti e
registrazioni, dando così agli ascoltatori l'opportunità di vivere
direttamente i mondi sonori dei grandi compositori barocchi e
classici. Nella sua carriera Linda si è esibita come solista in
numerosi festival, musei, collezioni di strumenti musicali e sale da
concerto. I suoi programmi sono personalizzati per adattarsi a
strumenti o temi particolari, o semplicemente per concentrarsi sul
ricco repertorio del XVIII e dell'inizio del XIX secolo. Sempre
desiderosa di espandere i suoi orizzonti, sta anche tornando ad un
amore particolare, la musica di Brahms, e i futuri recital
presenteranno i suoi ultimi brani per pianoforte. Linda
ha eseguito molti dei concerti di Mozart con eccezionali orchestre
d'epoca, ad esempio Les Arts Florissants, The Academy of Ancient
Music, The Orchestra of the Age of Enlightenment e Capella
Coloniensis. Con quest'ultimo ha realizzato tre CD di concerti di
Mozart in una coproduzione tra Westdeutscher Rundfunk e
Capriccio. Linda vanta una partnership musicale di lunga data
con l'illustre violinista Hiro Kurosaki, leader di Les Arts
Florissants e altri importanti ensemble barocchi. Hanno fatto molte
tournée insieme, concentrandosi sulle sonate di Mozart e Beethoven,
ma illuminandole con opere di contemporanei meno conosciuti come
Benda, Schobert e Vorisek. Insieme hanno registrato
l'integrale delle sonate per violino di Mozart in una coproduzione
tra Westdeutscher Rundfunk ed Erato: questo set di quattro CD ha
vinto il Japanese Academy Award ed è stata la registrazione classica
più venduta in Giappone nell'anno in cui è stata pubblicata. Hanno
registrato tutte le sonate di Beethoven in un solo anno, 2008-9, per
Westdeutscher Rundfunk e ACCENT, la prima registrazione realizzata
utilizzando strumenti originali anziché copie. Questi CD sono stati
pubblicati nel 2009-2010, attirando questo commento da Early Music
Review: "Questo dream team. Individualmente eccezionale, davvero
meraviglioso insieme". Linda è un membro fondatore del
London Fortepiano Trio. Il Trio si formò originariamente nel 1981
con Monica Huggett (violino) e Timothy Mason (violoncello). Sono
stati i primi a registrare i Trii per pianoforte di Mozart su
strumenti autentici per Hyperion, una registrazione che ha stabilito
il punto di riferimento per le esecuzioni di queste opere. Gli
attuali strumentisti ad arco sono Hiro Kurosaki (violino) e Martin
Fritz (violoncello). Oltre alle sue attività
esecutive Linda insegna privatamente e tiene spesso masterclass, ad
esempio a Varsavia nell'ambito del Festival di musica antica a
Wilanow e al Konservatorium di Vienna. È stata spesso giurata nel
concorso di fortepiano al MA Festival di Bruges.
L'organista e clavicembalista francese
Jean-Luc Ho, nato nel 1984, ha sviluppato fin da giovanissimo una
passione per i primi strumenti a tastiera. Ha iniziato a suonare il
clavicembalo all'età di 8 anni e successivamente si è interessato
all'organo e al clavicordo. Si è diplomato al Conservatorio di
Parigi (CNSMDP) nel 2006. Fortemente influenzato dall'insegnamento
di Blandine Verlet , ha beneficiato anche dei consigli
di Martin Gester e Jos van Immerseel . Il suo
gusto per gli strumenti d'epoca e l'arte della liuteria lo hanno
portato a costruire la propria collezione di tastiere, così da
approfondire la sua ricerca e sperimentare nuove idee.
Come
clavicembalista, Jean-Luc Ho ha tenuto recital a Parigi (a Radio
France e all'Eglise des Billettes), Chartres (al Musée des
Beaux-Arts), Bruxelles e Londra. Come organista, ha suonato su
numerosi strumenti elencati in Francia: Souvigny, Ste Croix a
Bordeaux, Lorris en Gâtinais... Ospite regolare di France Musique
come solista (Serie Giovani Artisti, Festival Radio
France-Montpellier, Le Matin des Musiciens ) ha scelto di dedicare la
sua prima registrazione per clavicembalo a JS Bach e François
Couperin (registrata nell'aprile 2011). Come solista
orchestrale, Jean-Luc Ho ha eseguito durante i suoi studi al
Conservatorio il Triplo Concerto di JS Bach sotto la
direzione di Sigiswald Kuijken , il Concerto Brandeburghese
n. 5 ( BWV 1050 ) e il Concerto in re minore Wq
23 di Carl Philipp Emanuel Bach. la Cité de la
Musique, su uno dei clavicembali d'epoca del museo. Quest'anno
suonerà il basso continuo con Le Concert Spirituel, La Rêveuse,
Fuoco e Cenere, Ensemble Pygmalion , Sagittarius ... Jean-Luc
Ho insegna anche clavicembalo e basso continuo a Franconville (Val
d'Oise), e ama condividere la sua passione con un pubblico più ampio
ai workshop di Royaumont e al Musée de la Musique di Parigi, e con
Arcal (compagnie nationale de théâtre lyrique et musical). Jean-Luc Ho ha studiato musica per
oltre quindici anni. Oggi si esibisce come solista al clavicembalo,
organo, clavicordo e come musicista da camera. Il suo lavoro trae
ispirazione da numerose collaborazioni con costruttori di strumenti,
ricercatori, musicisti e artigiani. La sua registrazione di debutto da
solista di Bach, Couperin, Sweelinck e Byrd ha vinto numerosi
riconoscimenti (France Musique choice, Diapason découverte, 5
Diapasons d'or, Choc de Classica). Come organista di
Saint-Germain-des-Prés a Parigi dal 2006 al 2016, è stato uno dei
fondatori del progetto Art de la Fugue, lavorando al restauro,
installazione e valorizzazione di uno storico organo castigliano del
1768 nella chiesa di Fresnes. Lui e Guillaume Prieur sono stati
nominati all'inizio del 2022 organisti assistenti dello storico
organo della collegiata di Dole. Le sue residenze al Festival Bach en
Combrailles (2017–2019) e all'Abbazia di Royaumont (2018–2021)
gli hanno fornito un ambiente ideale per l'approccio
alle Nazioni e Messe di Couperin , così
come all'Arte della Fuga , all'Offerta Musicale e
all'Arte della Fuga di Bach. Variazioni Goldberg . Insegnante di clavicembalo alla scuola
di musica di Franconville dal 2004 al 2011, attualmente insegna in
workshop e masterclass per l'Embarquement Immédiat, la Fondazione
Royaumont, l'Accademia di tastiere di Dieppe, Clavecin en France. Collabora da oltre dieci anni con il
Musée de la Musique – Philharmonie de Paris. Nel 2021 è succeduto
a Émile Jobin come professore di accordatura, impostazioni e
temperamenti al Conservatoire national Supérieur de Musique et de
Danse de Paris. Jean-Luc Ho collabora con gli ensemble
Les Meslanges, La Guilde des Mercenaires e Le Petit Trianon.
Domenico Codispoti, Premio Brutium 2010 (medaglia d’oro “Calabria”), è nato a Catanzaro il 16 settembre 1975, e dopo un decennio trascorso tra Stati Uniti (Dallas), Inghilterra (Londra) e Spagna (Granada) ora risiede a Roma. Dopo le affermazioni in Italia al Premio Rendano, al Concorso Internazionale di Pinerolo, al Mavi Marcoz di Saint Vincent e al T.I.M. di Roma, sono le vittorie in prestigiosi concorsi come il “Premio Jaén” (WFIMC) e il “Cidade de Ferrol”, oltre al già citato Pilar Bayona, a fare da preludio ad un’attività concertistica che lo porta ad esibirsi in tutta Europa, America (New York, Washington, Dallas, Salt Lake City, Charleston, Guadalajara, Guatemala City, Quito, Lima) e Asia (Hong Kong, Kuala Lumpur), da solista e con orchestre come Luzerner SInfonieorchester, Sinfonica della Radio di Varsavia, Sinfonica Nazionale Islandese, London Chamber Orchestra, Filarmonica Italiana, Filarmonica di Brno, Sinfonica de Galicia, Orquesta de Cordoba e Filarmonica Excelentia, tra le altre. Dopo il debutto discografico con Dynamic nel 1997, ha inciso per Cable Musical di Madrid un CD dedicato a Schumann e Chopin (2010) e per Odradek Records con musiche di Liszt e Granados (2012). La rivista americana Clavier Companion ha definito quest’ultimo “an outsanding recording”, definendo Domenico “a sophisticated and poetic pianist”. Un CD monografico su Cesar Franck per Piano Classics e un CD con musica da camera di Francesco Cilea per Brilliant sono stati pubblicati nel 2013. Ha registrato live per la Radio Nacional de España, la Radio Nazionale Islandese e Radio Vaticana, e per emittenti televisive come RTVE España, KERA e ICTN (Stati Uniti), RAI TRE. Come camerista ha collaborato, tra gli altri, con Maurice André, Sergej Krylov, Stefania Bonfadelli, oltre a diversi anni da vocal coach presso il Dipartimento di Opera della Southern Methodist University di Dallas. Attualmente docente di Pianoforte presso il Conservatorio L. Perosi di Campobasso, è regolarmente invitato a tenere masterclass negli Stati Uniti (SMU Dallas), in Perù (Pontificia Universidad Catolica, Consrvatorio Nacional), Spagna (nel Master dell’Universidad Internacional de Andalucia e nei Conservatori di Siviglia, Cordoba, Granada, Jaén, La Coruña) e Islanda (Reykjavik College of Music, Iceland Academy of the Arts, Hamrar Isafjordur).
